뱅크시, 스텐실로 세상을 비판하다 (2000년대~)

 

뱅크시, 스텐실로 세상을 비판하다 (2000년대~)

2000년대부터 뱅크시(Banksy)는 익명의 거리 예술가로 등장해 전 세계의 벽과 공공 공간을 무대로 삼았다. 그의 스텐실 기법은 단순한 낙서를 넘어 정치적 메시지와 예술적 혁신을 결합한 강렬한 표현으로 자리 잡았다. 전쟁, 자본주의, 권위주의, 소비주의 등 현대 사회의 모순을 날카롭게 파헤친 그는 스프레이 캔과 스텐실로 저항의 목소리를 냈다. 뱅크시는 거리에서 시작해 경매장과 갤러리를 점령하며 예술의 경계를 허물었고, 그의 작품은 대중과 예술계를 동시에 사로잡았다. 그의 신원은 여전히 베일에 싸여 있지만, 그 영향력은 21세기 예술사에 깊은 흔적을 남겼다.

브리스틀의 언더그라운드: 뱅크시의 기원

뱅크시는 1970년대 초반, 영국 브리스틀(Bristol) 근교에서 태어난 것으로 추정된다. 정확한 생년월일과 본명은 알려지지 않았지만, 1990년대 브리스틀의 활기찬 언더그라운드 신에서 그래피티 아티스트로 활동을 시작했다는 점은 널리 받아들여진다. 당시 브리스틀은 힙합, 펑크, 그래피티 문화가 융합된 도시로, 젊은 예술가들이 벽을 캔버스로 삼아 자신을 표현했다. 뱅크시는 ‘DryBreadZ Crew’라는 그래피티 그룹의 일원으로 활동하며 자유로운 손그림(freehand) 스타일로 이름을 알렸다.

 

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그러나 경찰의 단속이 심해지자 그는 작업 방식을 바꿨다. 전설에 따르면, 1990년대 말 어느 날 경찰을 피해 쓰레기차 밑에 숨었을 때 차량에 찍힌 스텐실 번호를 보고 영감을 얻었다고 한다. 스텐실은 미리 디자인을 잘라낸 틀에 페인트를 뿌리는 기법으로, 빠르고 정밀한 작업을 가능하게 했다. 이 변화는 그의 예술적 진화의 전환점이었다. 2000년대 초 런던으로 활동 무대를 옮기며 그는 스텐실을 본격적으로 활용했고, 그의 작품은 영국을 넘어 세계로 퍼져나갔다.

스텐실의 예술: 간결함과 상징의 힘

뱅크시의 스텐실은 단순함 속에 깊은 메시지를 담았다. 그는 종이, 플라스틱, 카드보드에 이미지를 미리 잘라낸 뒤 검정, 빨강, 노랑 등 최소한의 색으로 스프레이 페인트를 뿌렸다. 이 기법은 몇 초 만에 작업을 끝낼 수 있어 경찰의 눈을 피하는 데 유리했고, 그의 신원을 보호했다. 그의 상징적인 이미지—쥐(rat), 풍선과 소녀, 꽃을 던지는 시위자, 경찰, 원숭이—는 반복적으로 등장하며 강렬한 인상을 남겼다. 쥐는 사회의 소외된 이들을 상징했고, 그는 “쥐는 더럽고 사랑받지 못하지만, 그럼에도 살아남는다”며 자신의 철학을 밝혔다.

2003년 런던 거리에 등장한 ‘꽃을 던지는 사람’(Love is in the Air, or Flower Thrower)은 그의 대표작 중 하나다. 폭동 진압복을 입은 시위자가 몰로토프 칵테일 대신 꽃다발을 던지는 이 이미지는 흑백 스텐실에 빨간 꽃만 색을 입혀 폭력과 평화의 아이러니를 강조했다. 2005년 팔레스타인 서안 지구의 분리장벽에 그려진 ‘풍선과 소녀’(Balloon Girl)는 또 다른 걸작이다. 검은 드레스를 입은 소녀가 붉은 하트 모양 풍선을 손에 쥐고 벽을 넘어 떠오르는 모습은 억압 속 희망을 상징한다. 이 작품은 현지 주민들에게도 깊은 감동을 주었고, 뱅크시는 팔레스타인에서만 9개의 벽화를 남겼다.

2000년대의 전성기: 거리에서 갤러리로

2000년대는 뱅크시가 거리 예술가에서 문화 아이콘으로 도약한 시기였다. 2003년 런던의 ‘터프 워’(Turf War) 전시는 그의 첫 대규모 실내 전시였다. 버려진 창고에서 열린 이 행사에서 그는 살아있는 소에 앤디 워홀의 초상을 그리거나, 엘리자베스 2세를 원숭이로 묘사한 ‘Monkey Queen’을 선보였다. 경찰이 전시를 중단시키려 했지만, 이미 수천 명이 몰려들며 그의 대담함이 화제가 되었다. 2004년에는 영국 10파운드 지폐를 패러디한 ‘Di-Faced Tenner’를 제작해 공주 다이애나의 얼굴을 넣고 런던 거리에 뿌렸다. 이 가짜 지폐는 법적 논란을 일으켰지만, 그의 반항적 유머를 보여줬다.

2005년 뱅크시는 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 브루클린 미술관, 런던 테이트 브리튼 등 세계적인 박물관에 몰래 자신의 작품을 걸었다. ‘Crimewatch UK Has Ruined the Countryside for All of Us’는 낡은 유화에 경찰 테이프를 붙여 전원의 평화를 망친 감시 사회를 비판했다. 그는 이 과정을 비디오로 기록해 자신의 대담함을 알렸다. 같은 해 ‘Crude Oils’ 전시에서는 모네의 ‘수련’에 쇼핑카트를 추가하거나, 반 고흐의 ‘해바라기’에 공사 표지판을 넣어 고전을 재해석했다. 갤러리에 200마리의 살아있는 쥐를 풀어놓은 퍼포먼스는 예술의 상업화와 전통에 대한 조롱이었다.

2006년에는 로스앤젤레스에서 ‘Barely Legal’ 전시를 열었다. 여기서 그는 분홍색으로 칠한 코끼리를 전시하며 “방 안의 코끼리”라는 속담을 물질화해 빈부격차를 풍자했다. 이 전시는 브래드 피트와 안젤리나 졸리 같은 할리우드 스타들이 방문하며 세계적 주목을 받았다. 같은 해 그의 책 ‘Wall and Piece’가 출간되어 베스트셀러가 되었고, 그의 메시지는 더 넓은 대중에게 퍼졌다.

사회 비판의 정점: 디즈멀랜드와 셀프 파괴

2015년 뱅크시는 영국 웨스턴슈퍼메어에 ‘디즈멀랜드’(Dismaland)를 열었다. 디즈니랜드를 뒤튼 이 ‘비참한 놀이공원’은 낡은 성, 난민을 실은 보트, 파파라치에게 쫓기는 신데렐라 마차 등으로 가득했다. 입구에는 “가장 행복한 곳이 아니라 가장 비참한 곳”이라는 간판이 걸렸고, 직원들은 일부러 불친절하게 행동했다. 소비주의, 환경 파괴, 난민 위기를 풍자한 이 프로젝트는 5주간 15만 명을 끌어모았고, 수익은 난민 지원에 기부되었다. 뱅크시는 “이건 가족을 위한 테마파크가 아니라, 세상을 위한 경고”라고 밝혔다.

2018년 10월 5일, 소더비 경매에서 ‘풍선과 소녀’(Girl with Balloon)가 104만 파운드(약 14억 원)에 낙찰된 직후 충격적인 일이 벌어졌다. 액자에 숨겨진 분쇄기가 작동하며 캔버스를 반쯤 찢었고, 경매장은 혼란에 빠졌다. 뱅크시는 이 퍼포먼스를 “파괴 충동은 창조적 본능이다”라는 피카소의 말을 인용하며 기획했다고 밝혔다. 이 사건은 예술의 상업화에 대한 강렬한 비판이었고, 아이러니하게도 작품 가치는 두 배로 뛰었다. 새 제목 ‘Love is in the Bin’으로 재탄생한 이 작품은 뱅크시의 전설을 더 굳혔다.

인간적 면모와 모순의 아이콘

뱅크시는 익명성을 유지하며 신비를 더했지만, 인간적인 면모도 엿보인다. 2007년 친구이자 동료 아티스트 오존(Ozone)이 경찰 추격 중 지하철에 치여 사망하자, 그의 작업은 더 정치적으로 변했다. 그는 오존을 기리며 “경찰이 우리를 죽였을 때, 우리는 더 강해졌다”는 메시지를 남겼다. 2010년 다큐멘터리 ‘선물 가게를 지나야 출구’(Exit Through the Gift Shop)는 아카데미상 후보에 오르며 그의 철학을 대중에게 알렸다. 그는 레오나르도 디카프리오, 브래드 피트 같은 유명인들의 컬렉션에 들어갔지만, 자신의 작품이 고가에 거래되는 것을 “예술의 죽음”이라 비판했다.

2019년 런던 크로이든에 팝업 스토어 ‘Gross Domestic Product’를 열어 난민 구명조끼로 만든 상품을 판매하고 수익을 기부했다. 2020년 코로나 팬데믹 중에는 런던 지하철에 마스크를 쓴 쥐를 그려 방역을 촉구했고, 사우샘프턴 병원에 ‘Game Changer’를 기증해 의료진을 응원했다. 2022년 우크라이나 전쟁 중에는 보로댕카에 평화를 상징하는 벽화를 남겼다. 이처럼 그는 예술로 사회적 책임을 다했다.

비판과 논란: 뱅크시의 양면성

뱅크시는 비판도 피하지 못했다. 일부는 그를 프랑스 예술가 블렉 르 라(Blek le Rat)의 모방자로 보았다. 블렉 르 라는 1980년대부터 스텐실로 쥐를 그리며 사회 비판을 했고, 뱅크시의 스타일이 유사하다는 지적이 있었다. 런던 타워 햄릿츠 의회는 그의 작품을 “단순한 낙서”로 간주해 지웠고, 2007년에는 그의 벽화가 훼손되거나 도난당하는 사건이 잇따랐다. 반면 그의 상업적 성공은 또 다른 논란을 낳았다. 2013년 뉴욕에서 ‘Better Out Than In’ 프로젝트로 하루 한 작품을 공개했지만, 일부는 이를 “너무 계산된 쇼”라 비판했다.

그의 작품이 수백만 파운드에 거래되며, 그가 비판하던 자본주의의 일부가 되었다는 아이러니도 있다. 2017년 베들레헴에 연 ‘Walled Off Hotel’은 팔레스타인 문제를 조명했지만, 관광 상품화 논란을 낳았다. 그럼에도 뱅크시는 “내가 돈을 벌든 말든 메시지는 변하지 않는다”며 논란을 일축했다.

뱅크시의 유산: 거리에서 미래로

뱅크시는 거리 예술을 예술계의 중심으로 끌어올렸다. 2023년 글래스고의 ‘Cut and Run’ 전시는 25년간의 스텐실과 도구를 공개하며 그의 여정을 돌아보게 했다. 그는 NFT와 AI 예술의 시대에도 여전히 아날로그적 저항을 고수한다. 그의 작품은 벽에서 시작해 경매장, 디지털 세상으로 퍼졌고, 그래피티를 예술로 재정의했다. 뱅크시는 묻는다: “예술은 누구의 것인가?” 그의 답은 거리, 사람, 그리고 끊임없는 질문 속에 있다.

 

# 예술사 속 흥미로운 이야기